Нью Дели

Национальный Музей

Национальный Музей – один из лучших в Индии. Он содержит обширную, наиболее полную и развернутую коллекцию произведений искусства Индии, начиная с доисторических времен и кончая поздним средневековьем. Музей, со всеми своими постройками и выставочными залами представляет собой яркий пример развития индийской художественной традиции, а также включает в себя небольшую коллекцию произведений искусства Центральной Азии и доколумбовской Америки.

История возникновения музея уходит корнями в первые дни после принятия Независимости, когда он был основан и размещен в Раштрапати Бхаван. Ядро коллекции составили экспонаты, которые были отправлены в 1947 году в Лондон на выставку в Королевской Академии. Было принято решение не рассылать их обратно после окончания выставки по музеям, где они первоначально хранились, а поместить их в музее Дели, для чего и был создан Национальный Музей, и камень в фундамент его основания был заложен премьер-министром Индии Джавахарлалом Неру 12 мая 1955 года. В свое нынешнее здание музей переехал в 1960 году. Здание окружает небольшой внутренний двор, оно имеет 4 этажа галерей и вмещает в себя огромную коллекцию, состоящую из более чем 150 000 произведений искусства. Каждый год музей приобретает все новые работы, что способствует росту его богатства и великолепия.

Галереи музея расположены в историческом и хронологическом порядке, этой же логике будет следовать это краткое описание коллекций музея.

Галерея Индской Цивилизации

До 1920-х годов, когда были обнаружены остатки этих древних городов, считалось, что история Индии берет свое начало в 3 веке до н.э., в период правления династии Маурьев. Драматическая и внезапная находка других более древних городов поставила Индийскую цивилизацию на одну ступень с Египтом и Месопотамией, как в отношении древности, так и в отношении художественных ценностей.

Самые древние из обнаруженных городов – это те, которые сейчас известны под именами Мохенджо Даро (Могильный Холм), Хараппа (от названия которого произошел термин «Хараппская культура») и Чанху Даро. Раскопки велись под руководством Р.Д. Банерджи, Рай Бахадур Дайя Рам Сахни, затем были продолжены Организацией Археологических Изысканий Индии во главе с сэром Джоном Маршаллом. Неверная научная методология и неаккуратное использование углеродной датировки нанесли ущерб результатам этих первых раскопок, но даже, несмотря на это, они помогли появиться из-под земли тысячам ценных экспонатов, рассказывающих нам историю этой древней культуры.

С разделением субконтинента на 2 части – государства Индию и Пакистан – в эпоху Независимости находки из раскопок были также поделены между ними. Так, Пакистану достались извлеченные из-под земли Мохенджо Даро и Хараппа, а Индия стала обладательницей огромного количества сокровищ, многие из которых хранятся в Национальном Музее. Раскопки ведутся и до сегодняшнего времени, и к этому моменту Индия открыла еще несколько древних городов и других археологических объектов, относящихся к цивилизации Долины Инда.

Эта культура, распространившая свое влияние на всю Долину Инда и прилежащие территории, существовала в период между 2500 и 1500 годами до н.э. Похоже, что цивилизация Долины Инда процветала на протяжении всего этого тысячелетия, и за это время были построены более 400 хорошо спланированных городов. Что действительно удивило историков, так это то, что по всей вероятности это была культура, подчинявшаяся единому образцу, с ее стандартным, общим для всех городов планом, строительным дизайном и даже одинаковым размером кирпичей, использовавшихся в постройках. И это несмотря на то, что города находились так же далеко друг от друга, как ныне находятся Рупар в Пенджабе и Лотхал в районе Катхиавар в Гуджарате, и располагались строго вдоль реки Инд в Пакистане.

В галерее музея находится экспозиция, посвященная изысканному гончарному ремеслу этой культуры, свидетельствующему о единых вкусах, преобладавших во всех крупнейших городах. Образцы этого искусства в большинстве своем создавались с помощью гончарного круга, обжигались и украшались черной декоративной росписью на красном фоне.

Исходя из формы предмета, можно судить о его предназначении: приготовление пищи, хранение воды или зерна, сосуды маленьких размеров – для драгоценных масел и благовоний. Здесь есть блюда, тарелки с крышкой, грациозные светильники и подставки. Особенно великолепны расписные сосуды. Элементы росписи варьируются от природных мотивов, таких как вода, дождь или земля, изображенных с помощью волнистых, точечных или пунктирных линий, до изображений животных, птиц и рыб. Здесь есть большой кирпичного цвета сосуд с изображением сцены из сельской жизни, где крестьянин пашет землю с помощью двух буйволов. Очень хорошо переданы фигуры животных, а так же одинокий и тяжелый труд пахаря.

Другой сосуд, возможно служивший погребальной урной, имеет изображение в виде панели с довольно веселого вида павлинами (с кладбища Н). Художник поместил человеческую фигуру внутри одного из павлинов, возможно находясь под влиянием какого-либо мифа или легенды, ритуала или верования. Здесь представлено огромное количество многообразных изделий из глины, найденных в местечке Нал, некоторые из которых имеют дизайн близкий к современному. Они представляют собой сосуды с геометрическими росписями бледно-желтого цвета, с голубыми и зелеными оттенками на белом фоне.

Очень красивы круглые, приземистые сосуды, чей диаметр превышает их высоту; а также квадратные светильники с рифлеными краями. Из глины, добываемой на берегах Ганга, художник хараппской культуры делал не только сосуды, но также игрушки и статуэтки – одни из самых очаровательных и трогательных образов, дошедших до нас из цивилизации речной долины. Статуэтки быка, муравьеда, свиньи и обезьяны – это маленькие шедевры. Есть здесь также движущиеся фигурки летящей птицы и обезьянки, карабкающейся по шесту с прижатым к спине хвостом. Один из игрушечных быков может двигать головой, которую мастер прикрепил к телу с помощью шарнира и нитки.

Среди человеческих фигур большинство изображают сценки из повседневной жизни людей, населявших эти древние города: женщина, лежащая на постели и кормящая грудью ребенка, женщина, замешивающая тесто, человек с птицей в руках, возможно с домашней уткой, которую он держит под мышкой.

Это небольшие фигурки, обычно не больше 8 см (3 дюйма) в высоту, но они отражают игривый и наблюдательный взгляд их создателя, чье прикосновение, веселое и легкое, полно детского восторга, - того, для чего эти фигурки собственно и были предназначены.

На примере металлических и глиняных игрушечных повозок мы можем судить о транспорте, который возможно существовал в этих городах для перевозки людей из деревни в город и из города в город. Всего можно различить 6 разных типов повозок различных форм и размеров, с большими прочными колесами. Также мы можем иметь представление, видя эти фигурки быков, об одомашнивании животных, один из экспонатов есть не что иное, как игрушечная клетка для птиц.

Здесь можно увидеть многообразие изделий из камня, от ювелирных украшений до игрушек. Ожерелья из полудрагоценных камней были восстановлены из круглых бусин, найденных при раскопках. Есть пряжки из кости и ракушек, резные кулоны и браслеты, группа маленьких прелестных белочек, грызущих орехи, и каменные сосуды.

Стеатитовые печати цивилизации долины Инда являются загадкой для историков. На застекленной витрине экспозиции представлено множество маленьких печатей – некоторые размером в 3-4 см (дюйм или два), квадратной либо прямоугольной формы. На каждую печать нанесен характерный геометрический орнамент в рельефе инталия [1] с любопытными хараппскими надписями наверху, либо сбоку. Рельеф выполнен настолько совершенно, что, будучи отпечатанным на мягкой глине, дает четкое обратное изображение. Мастерство создателей этих печатей заслуживает особенного внимания.

Одна из печатей в этой коллекции особенно интересна; на ней изображен сидящий человек, на голове которого надета рогатая корона, или маска; некоторые ученые считают, что это одно из самых ранних антропоморфных изображений гуру либо божества, возможно прообраз бога Шивы. Фигуру окружают животные, такие как носорог, бык, слон, тигр, олень и др. Что в данном случае озадачило историков, так это то, что на сегодняшний день территория вокруг Мохенджо Даро, где были обнаружены эти печати, является пустыней, где, как считалось ранее, кроме носорогов никто никогда не обитал. Более того, носороги и слоны сейчас населяют лишь Северно-Восточную Индию, что находится в тысячах миль отсюда. Возможно, как предположил Циммер в работе «Искусство Индийской Азии», что «наличие одомашненных животных в Мохенджо Даро в то время свидетельствует о том, что климат долины Инда был более влажным, растительность – более густой, а водоснабжение более обильным, чем сейчас». Другие ученые считают иначе. Некоторые предполагают, что народ Хараппы вырубал свои густые леса, чтобы строить города и разводить огонь для обжига тысяч кирпичей для своих зданий, тем самым изменяя природную среду и климат настолько кардинально, что в конечном счете им пришлось оставить свои дома и покинуть города. Однако такое мощное воздействие на природную среду является исключительной прерогативой лишь культуры 20 века!

Период существования цивилизации в долине Инда известен также под названием «хальколитический» период в истории Индии, так как в это время помимо камня и глины начали использовать металл. Статуи и орудия из меди и бронзы были обнаружены во многих местах раскопок. Серебро и, что гораздо реже, золото, использовались для изготовления ювелирных украшений (в «ювелирной галерее» музея можно увидеть украшения эпохи Хараппской цивилизации). Наиболее известной считается бронзовая фигурка так называемой «Танцовщицы». Ее обнаженная фигура имеет размер 10,5 см (чуть более 4 дюймов) в высоту, на ее руке надето множество браслетов, а на шее – простое ожерелье. Волосы собраны и скручены за ее спиной. Одна рука лежит на бедре, а одна нога слегка согнута в колене; ее голова гордо приподнята, как будто она смотрит с легкой усмешкой на суетный мир, мелькающий перед ее взором.

Мастерство хараппских скульпторов по металлу можно оценить, глядя на два экспоната, имеющих почти современный облик: «Слон на колесах» и «Повозка» из Даймабада (Махараштра). Эти две статуэтки, потрясающе элегантные, являются ярким примером искусства мастеров Хараппы. Даже в небольших по размеру фигурках, таких как «Буйвол из Мохенджо Даро» (2500 г. до н.э.), мастер достиг совершенства в изображении животного, размахивающего хвостом и слегка поднявшего голову, как будто собирается замычать.

Искусство периода Маурьев, Сунга и Сатавахана.

Наиболее драматичным периодом в истории индийской культуры, с точки зрения найденных фрагментов скульптур, был 3 век до н.э., следующий за эпохой цивилизации долины Инда.

В музее находятся несколько великолепных образцов скульптуры периода Маурьев и искусства Сунга. Несколько скульптурных изображений с буддийской ступы в Амаравати были взяты из Британского Музея. Эти мраморные панели выполнены в мягкой, деликатной манере. Самым примечательным в этих изображениях является передача красоты женской фигуры во всем многообразии ее поз и положений. Однако, лучшей коллекцией скульптуры Амаравати все же считается та, что хранится в Государственном Музее города Ченнаи. В коллекции Национального Музея находится лишь одна панель этой ступы, «Благоговение перед святилищем», построенным буддистами для хранения святых мощей. Хотя первоначальная ступа в Амаравати (Андхра Прадеш) была разрушена вандалами, данная панель позволяет нам судить о том, как эта ступа могла выглядеть, с ее полукруглым сооружением, окруженным высокой скульптурной оградой. На основе пропорций фигур, изображенных на передней части ограды, можно сделать вывод о том, что ступа была достаточно высокой, что объясняет размеры панелей, составлявших часть ограды ступы и ее декора.

Искусство Гандхары и Матхуры.

На северо-западе субконтинента, на территориях, ныне составляющих часть современных Пакистана и Афганистана, были найдены образцы великолепной скульптуры, относящиеся к эпохе греко-римского влияния, последовавшего за вторжением великого Александра Македонского в 3 веке до н.э. Торговые отношения с Грецией и Римом длились несколько веков, и в этот период буддизм получал большую поддержку от правителей. В результате возник стиль, известный как «гандхарский» (от названия Гандхара, которое носили эти земли). Здесь же находился известный университет Таксила, привлекавший ученых буддистов со всей Азии, как место паломничества, обучения и исследовательской работы.

Фигуры Будды из блестящего черно-серого сланца выполнены в классическом гандхарском стиле. Его одежды, подобно римским тогам, ниспадают глубокими тяжелыми складками, в то время как его лицо остается спокойным и созерцательным. Волосы его уложены волнами и собраны в узел на затылке.

Здесь представлены также скульптурные панели ступ Гандхары с изображениями эпизодов из буддийской литературы. На примере скульптурных бюстов и голов, оставшихся от статуй, можно проследить попытки мастеров следовать греческим и римским образцам фигуративного искусства. Выразительные лица «Маленького ребенка» и «Старика» выполнены с оттенком реализма, следуя природе такой, какая она есть. Вообще, реализм редко проявляется в индийском искусстве, чаще художник стремится воплотить абстрактные концепции и идеи, используя фигуру как символ.

Скульптура Матхуры в Уттар Прадеш первых веков нашей эры очень легко узнаваема, она изготавливалась из восхитительного красного с белыми вкраплениями песчаника. Раскопки в Матхуре открыли множество скульптурных панелей, составлявших часть оград ступ. Музей в Матхуре содержит лучшую коллекцию шедевров из Кушаны и Матхуры. Эти панели с оград, или балюстрады, также легко узнать, так как они состоят из вертикальных скульптурных колонн (балясин), которые соединялись горизонтальными балками, украшенными скульптурными мотивами лотоса. Некоторые из этих вертикальных столбов имеют высоту лишь 1 м (3 фута) и украшены скульптурными фигурами верующих женщин и трех нимф, или «салабханджика».

Здесь также присутствует панель с изображением женщины, несущей ветку дерева («Ашокадхана») – влияние мифов, связанных с идеей плодородия, согласно которым «дерево Ашока» ( jonesia ashoka ) настолько чувствительно, что покрывается цветами, как только к нему прикоснется женщина. Там, где родился Будда, в Люмбини, ныне Непале, находилась роща, где росли «деревья Ашоки», в силу этого они приобрели особую святость для буддистов. Его длинные заостренные зеленые листья можно часто увидеть в скульптуре буддизма.

Другое скульптурное изображение, представленное здесь же, - женщина, купающаяся у водопада («Шана Сундари», Матхура, 2 век), мать и дитя, играющие с погремушкой, и женщина, смотрящаяся в зеркало. Другая известная панель изображает падающую в обморок женщину, под названием «Васантсена» (Кушана, 2 век). Небольшая мужская фигура с чашкой в руках поддерживает падающую женщину, в то время как другая старается удержать ее рукой. На всех этих панелях с буддийских оград женщины изображены с обнаженной грудью. Шитые блузки – более поздняя мода. Даже сегодня в индуистских ритуалах одежда без швов считается чистой и неоскверненной. Женщины носили широкие пояса, с помощью которых одежда закреплялась, скрывая нижнюю часть туловища и ниспадая красивыми складками. Ювелирные украшения, многообразные и искусно выполненные, имеют форму длинных тяжелых серег, ожерелий, поясов, браслетов на руках и ногах. Часто браслеты надевались в больших количествах, покрывая руку по всей длине.

Искусство эпохи Гуптов.

В эпоху Гуптов (3-6 века) огромная часть Индии попала под централизованное управление, что не могло не отразиться на искусстве более поздних региональных стилей. Именно в этот период были построены первые индуистские храмы из камня, заменившие собой глиняную, кирпичную и деревянную конструкции. Скульптурное оформление этих храмов дало пищу экспериментам в области декора индуистских религиозных сооружений. Однако, Гупты распространили свое покровительство и на буддийские общины, в которых создавалась скульптура, отмеченная влиянием более ранних стилей Матхуры и Гандхары.

Фигура Будды (Сарнатх, 5 век, период Гуптов) является классическим образцом уверенности, обретенной индийскими мастерами. Будда изображен стоящим, с рукой, поднятой в жесте защиты, абхайя. Сквозь одежду отчетливо заметно, как одно колено грациозно полусогнуто и расслаблено. Одежда больше не спадает множеством складок, как мы видели это в скульптуре гандхарских мастеров, она упрощена до абстрактного покрова для тела. Драпировки переданы так великолепно, что под ними ясно просматривается молодое тело Будды, полное теплоты и живой пульсации. Лицо Будды имеет овальную форму, с широким лбом, с совершенными чертами лица, их симметрия отражает уравновешенность сознания Будды в состоянии покоя. Его полузакрытые глаза символизируют созерцательность.

Подобным же образом мастер достиг выражения внутренней мощи в «Статуе Вишну» (Матхура, 5 век, эпоха Гуптов). Торс его сохранился, но ноги и руки отломаны. Тело передано великолепно, в особенности чувственная передача слегка выпуклого живота над поясом. Грудная клетка изображена широкой, демонстрируя драгоценные украшения во всем их великолепии. Ожерелье, состоящее из множества жемчужных нитей, свешивается очень элегантно. Разнообразие текстур, воспроизведенное скульптором в этой работе, поистине неправдоподобно: тяжелая фактура металлических украшений, вес жемчужных нитей, узор ткани и мягкость чувственного тела. К тому времени индийские художники уже полностью подчинили себе материал; то, что следовало подчеркнуть, или убрать, или частично игнорировать, было вопросом эстетики и иконографии, оставляя далеко за собой сферу реализма.

В этой галерее можно увидеть другие скульптуры эпохи Гуптов, имеющие повествовательный характер. В отличие от ранних буддийских панелей с их историями, мастера эпохи Гуптов сосредоточивали весь миф или легенду в одном главном эпизоде, при этом предполагалось, что зритель уже знаком с содержанием всего мифа – знает, что предшествовало этому эпизоду и что следовало за ним. Типичным примером такой композиции является панель «Лакшмана наказывает Супранакху» (Деогарх, 5 век, эпоха Гуптов). Это эпизод из «Рамаяны» - эпической поэмы, в которой Рама, его жена Сита и брат Лакшмана оказываются в лесу в результате дворцовых интриг. Рама, как одна из инкарнаций Вишну, представлен в поэме как идеальный царь-герой. В лесу сестра Раваны, царя Ланки, которую звали Супранакха, безумно влюбляется в Раму, но тот игнорирует ее. Тогда она пытается совратить Лакшману. На данной панели она наказывается за свои похотливые желания Лакшманой, которому приказано отрубить ей нос и уши. Сита смиренно наблюдает эту драму. Лесная сцена обозначена всего лишь одним деревом наверху. За этим эпизодом, согласно поэме, следует бегство Супранакхи на Ланку, к своему брату, которому она жалуется. Равана, прослышав о красоте Ситы, похищает ее, что служит причиной разгоревшейся борьбы между последователями Раваны и Рамы, в результате которой добро одерживает верх над злом.

Помимо каменной скульптуры, храмы и сооружения гуптского периода, все еще кирпичные, украшались панелями из терракоты. В Национальном Музее хранится прекрасная коллекция терракоты, датируемая 5 веком. Фигуры Ганги и Ямуны (Ахиччатра, 5 век, эпоха Гуптов) являются примером персонификации богинь священных рек индуизма. Держа в руках кувшин, Ганга восседает на спине Макары, или крокодила, в то время как Ямуна изображена сидящей на черепахе. Такие фигуры с изображением рек позже служили украшением для верхней части дверных косяков в храмах или гробницах, символизируя очищение от зла и прощение грехов при входе в храм. Другие терракотовые панели представляют людей и животных, а одна из них посвящена великой битве из Махабхараты, где воины едут на колесницах, держа лук, готовые к бою.

Галереи средневековой скульптуры.

Эти галереи, где хранится средневековая скульптура 7-17 веков, собранная в различных областях Индии, с большим трудом поддается описанию в силу огромного разнообразия особенностей и стилей. В ходе нашего рассказа можно лишь упомянуть о том, что после распада империи Гуптов, вплоть до могольского владычества, индийский субконтинент был политически раздроблен и поделен между множеством правящих династий. На каждой территории, где правила какая-либо династия, процветал свой собственный стиль в искусстве, существовал свой подход к архитектуре, скульптуре, живописи и другим видам искусства. Нельзя сказать, чтобы в этих работах отсутствовали следы былого единства и общих идеалов. Большинство произведений искусства были созданы по законам индуизма. Искусство буддизма после 13 века развивалось лишь в отдельных районах – в Бихаре, в Бенгалии и др.

В галереях средневековой скульптуры представлены великолепные образцы достижений в области искусства различных школ и региональных форм. Юг Индии представлен величавыми гранитными скульптурами периода Паллавов, такими как «Шива Бикшатан Мурти» (7 век, эпоха Паллавов, Канчипурам). Скульптура Паллавов, как и вся храмовая скульптура, должна рассматриваться в контексте того сооружения, на котором она помещалась.

Махабалипурам и Канчипурам, находящиеся недалеко от Ченнаи в Тамил Наду, имеют несколько великолепно сохранившихся храмов того времени. Храмы, как и представленные здесь скульптуры, отличаются мощным, плотным обликом, полным достоинства, имеют небольшое количество орнаментики и подавляющие зрителя черты. Статуи различных богов и богинь отличаются элегантностью, высотой и стройностью фигуры.

В Карнатаке находятся несколько храмов и вырубленных в скале гробниц эпохи Чалукьев. В этом регионе существовала влиятельная школа в искусстве – в Бадаме, Айхоле и Паттадакале. Скульптуре этой школы, представленной в музее, присущ особый драматизм, в той же степени, как и всему новаторскому и творческому стилю Чалукьев. «Летящие гандхарвы» (7 век, Чалукья, Айхоле, Карнатака) – это изображение двух небесных нимф, парящих с легкостью и грацией в небесах, их прекрасные одеяния вздымаются и развеваются на ветру.

«Трипурнатака» (8 век, Чалукья, Айхоле, Карнатака) является великолепным примером драматизма и движения в скульптуре. Шива стоит на воздушной колеснице, несомой богами, направив свою сокрушительную стрелу на 3 крепости и царства могущественных асуров. Асуры получили от Брахмы позволение построить 3 крепости, одну медную на земле, одну серебряную на небе, и одну золотую в подземном мире. Когда они возомнили себя непобедимыми, Шива разрушил все 3 их крепости одной-единственной стрелой.

Мастера всего мира решали задачу передачи движения и статики в визуальных искусствах, таких как скульптура. В искусстве эпохи Чалукьев, особенно в скульптуре Бадами в Айхоле, скульптор достиг совершенства в изображении великой драмы в камне, полной захватывающего застывшего действия.

Несколько экспонатов представляют западную часть Индии, такие как «Чамунда» (12 век, Пармара, Мадхья Прадеш) и мраморная фигура Сарасвати, богини знаний (12 век, Чаухан, Биканер, Раджастан), которые одинаково прекрасны, но выполнены в несколько разном стиле, и, разумеется, из разных пород камня. Некоторые из этих шедевров украшают вход в вестибюль музея.

С востока Индии пришли знаменитые скульптуры Конарака, Орисса, их легко узнать по блестящему, почти черному хлориту, из которого они сделаны. Могущественный царь Нарасимха из династии Восточного Ганга построил легендарный храм Солнца, или Сурья Мандир, в Конараке в 13 веке. Здесь мы можем увидеть несколько довольно красивых портретов этого правителя на различных панелях и в некоторых сценах. «Царь Нарасимха, стреляющий из лука», «Царь Нарасимха на качелях», где довольно реалистично изображены медные цепи качелей, и «Беседующий царь Нарасимха», где он представлен сидящем на невысоком сиденье, держащим в одной руке манускрипт из пальмовых листьев. Еще одна панель изображает «Молящегося царя Нарасимху», где он стоит перед двумя небольшими святилищами, одно из которых посвящено Джаганнатху, Господу из Пури, а другое – богине Махишасурамардини. Детали одежды с тканым дизайном, прически, изображения храмов и домов, качелей и хозяйственных объектов одновременно обыденны и познавательны. Организация деталей на этих панелях придает ощущение театральности, когда все объекты являются элементами «постановки» в том виде, в каком они есть.

Здесь представлены несколько скульптур периода Пала и Сена из районов Бихар и Бенгалия: «Вишну и его подруга», «Чамунда» и др., относящиеся к 12 веку. Существует легенда о том, что когда-то жил могучий демон по имени Махиша, который стал слишком могущественным и тем самым нарушил равновесие в мире богов. Он получил дар полной неуязвимости от человека либо от бога. Тогда боги создали «супер-богиню». Наделенная энергией Шивы, она обрела лицо, от Вишну она получила руки, ступни – от Солнца, глаза – от огня (Агни) и т.д. Циммер в «Искусстве Индийской Азии» поэтически описывает сцену битвы всемогущей богини с демоном-быком Махишей: «Он узрел богиню, пронизывающую космос своим светом, заставлявшую землю прогибаться под тяжестью своих шагов… сотрясающую подземный мир игривым звоном своей тетивы, а бесчисленными руками закрывающую все небо».

Во время сражения она отрубает голову демона-быка, и он покидает тело, приняв форму человека, но в конце-концов богиня убивает его, тем самым заслужив имя «той, которая победила асура Махишу», или Махишасурамардини. На данном скульптурном изображении великолепная богиня, «закрывающая небо своими бесчисленными руками», только что обезглавила быка; маленькая фигурка человека-демона показана возникающей из безжизненного тела быка, и, к несчастью для себя, идущей прямо в пасть тигра, ездового животного и спутника богини Дурги. Где бы мы ни увидели скульптуру этой богини, Махишасурамардини, мы не перестанем удивляться, при близком рассмотрении, как художник воплотил чудесное предание о женской силе, заставившей богов замереть в безмолвии.

Поздняя средневековая скульптура тяготеет к сложной, иногда даже вычурной и суетной орнаментике, как это можно наблюдать на примере скульптур периода Хойсала, таких как «Калья Кришна» из Карнатаки – бог-пастух, танцующий на голове змеи Кальи, а также «Музыканты», «Мохини» и «Лакшми и Нарайяна» (Лакшми и ее супруг Вишну, летящие на крыльях Гаруды).

Галерея индийской бронзы.

Искусство создания статуй из бронзы существует в Индии с древнейших времен и уходит корнями в цивилизацию долины Инда. Рассмотренная нами ранее бронзовая «Танцовщица» была создана 5 000 лет назад, но даже сегодня в таких городах, как Танджор в Тамил Наду, мастера создают работы редкой красоты. В Национальном Музее представлена коллекция изделий из бронзы, принадлежащих различным историческим периодам и регионам Индии. Их многообразие варьируется от маленьких, почти миниатюрных фигурок из Кашмира и Кералы, до огромных из южного штата Тамил Наду. Здесь есть и буддийские, и индуистские статуи, изготовленные в процессе называемом cire perdue , или «выплавление модельного состава».

Сначала изготавливается восковая модель, с которой получают глиняный отпечаток. Затем он становится основой для будущей скульптуры. Полый отпечаток заливается специальной смесью расплавленных металлов. В итоге, мягкость воскового отпечатка передается форме, отлитой в металле. Это и есть то, что делает бронзу такой особенной.

Так как каменная храмовая скульптура была неподвижной, бронза была наиболее пригодной в домашних условиях и использовалась в процессиях за пределами храма, когда фигуры выносили на городские улицы, где тысячи людей собирались на даршан («лицезрение») божества. Возможно, каменные скульптуры храмов раскрашивались и покрывались штукатуркой, но сегодня нам приходится любоваться лишь их чистой каменной красотой; то же самое относится и к бронзе. В храмах эти грандиозные статуи наряжались в одежды, драгоценности и цветочные гирлянды, и можно только удивляться тому, зачем скульптору понадобилось так тщательно прорабатывать мельчайшие детали при отливке статуй, если почти никто не мог видеть их настоящей, неприкрытой красоты. Возможно, это объясняется глубиной религиозной веры и незримым величием неизвестных мастеров Индии, победивших века.

Доктор С. Шиварамамурти, один из величайших ученых индуизма и выдающийся историк искусств, в течение нескольких лет был директором Национального Музея. Самыми любимыми его статуями из бронзы, вне всякого сомнения, были «Калья мардан Кришна» (Паллава-Чхола, 9 век) и «Натараджа», или «Натеша в позе чхатура» (ранние Чхола, 10 век, Тируварангулам, Южная Индия»). Он является автором множества работ, книг и статей, в которых никогда не забывал упомянуть об этих двух шедеврах: «Коллекция бронзы недавно пополнилась фигурой «Натараджи в чхатура» - позе тандавы – это уникальный образец» (1959); и «Национальный Музей может гордиться тем, что обладает уникальным изделием из бронзы, высочайшим с точки зрения эстетики, «Натараджей в позе чхатура» (1980).

Фигура «Шивы Натараджа» как космического танцора и создателя также присутствует и в виде каменной скульптуры, а сегодня даже исполняется в виде танца. В одной руке Шива держит барабан, символизирующий источник всего творения – звук, ритм и дающую жизнь энергию. В другой руке он держит огонь, символ разрушения. Третья рука поднята в жесте защиты, в то время как четвертая направляет внимание на положение ног Шивы, попирающих фигуру карлика, персонифицирующего неведение. Шива танцует под грохот барабанов и стихий, пробуждающихся на небесах. Его фигура гибкая и юная, со стройными ногами, руками во всей полноте их движения, а звон его ножных браслетов наполняет вселенную. Его украшения отличаются скромностью, волосы развеваются по ветру, лицо Шивы всегда спокойно, на нем нет и следа напряжения. Змеи, которым поклоняются все сельские общины Индии, составляют часть украшений Шивы, так как он является также богом Земли, Подземного Мира и Небесных сфер, и все секреты тайных миров ведомы его змеям так же, как и ему самому. В одном этом танце Натараджа символизирует все – творение, сохранение, разрушение, избавление от неведения и достижение блаженства.

«Калья мардан Кришна» рассказывает нам другую историю. Кришна, как пастух, является инкарнацией Вишну. Однажды случилось так, что он заметил, как много скота отравилось, попив воды из реки, куда он и его друзья водили животных к водопою каждый день. Кришна обнаружил виновного – гигантскую змею Калью, и на этом скульптурном изображении Кришна предстает танцующим на 5-головом теле змеи. Осознав свою вину, она протягивает руку, поклоняясь юному Кришне, который триумфально поднимает над собой ее хвост.

Галерея живописи и манускриптов.

Второй этаж галереи содержит великолепную экспозицию, посвященную искусству каллиграфии, иллюстраций к текстам и живописи. В Индии использование пальмовых листьев для создания ранних манускриптов привело к возникновению уникальной эстетической роли композиции в рамках этого вида искусства. Длинная, суживающаяся к одному концу, форма пальмового листа требовала аккуратности в момент написания текста и составления страниц. Соединенные вместе с помощью веревки и деревянного переплета, связки манускриптов из пальмовых листьев обычно оборачивались в кусок материи для сохранности. Временами страница имела вертикальное членение, образуя узкие вертикальные столбцы для удобства чтения, с полями, рамками и небольшим продолговатым прямоугольным пространством для иллюстраций. Использование минеральных красителей привело к преобладанию чистых, несмешанных цветов – красного, синего и желтого – с черным, белым и золотым в живописи.

«Махапаринирвана Будды» (Бенгалия, Пала, 1 000 г. н.э.), «Манду Кальпасутра» (1439 г., Манду, Центральная Индия) и «Астасахасрика Праджнапарамита» (1350 г., Непал) – яркие примеры подобного стиля оформления страниц в раннем искусстве манускриптов. Достойная внимания коллекция манускриптов из пальмовых листьев также находится в Музее Государственного Правительства в Бхубанешваре (Орисса).

Влияние ислама на искусство книжной иллюстрации и каллиграфии было наиболее значительным в период средневековья. В музее хранится Коран на арабском языке (9 век, Куфик), являя собой великолепный пример элегантного искусства каллиграфии.

«Джахангирнама» (Моголы, 17 век, персидский Насталик) – более изощренный пример искусства письма и композиции страниц. Использование бумаги, которая не имела ограничений в размерах, привело к возникновению новых форм композиции. Края листов часто утолщались с помощью бордюров, а искусство каллиграфии процветало благодаря отказу ислама от изображения человеческих фигур.

На стыке двух традиций – персидской и индийской – возник новый синтез. В представленных здесь раннеисламских работах, таких как «Бабурнама» (или «Бабарнама») (Моголы, 1598) и иллюстрации к «Тутинаме» (Моголы, 1580), или «Бустан» (Султанат, 1500-1502 г), письменный текст расположен на странице очень рельефно, в сопровождении иллюстраций, служащих дополнением к словам текста. Постепенно текст и иллюстрации стали приобретать различные оттенки и нюансы, а индийская и исламская абстрактности растворились друг в друге.

Могольские императоры содержали огромные студии и мастерские, где работали художники со всей страны. Живописцы получали денежное вознаграждение, равно как ювелиры и ткачи. Под царским покровительством возник влиятельный и артистичный стиль в живописи. Здесь присутствовала документальная живопись, введенная Бабуром для изображения необычных животных индских земель. Изображение животных в «Схватке верблюдов» (Моголы, 1615-1620 г), относящееся к эпохе царствования Джахангира, выглядит очень натурально и напряженно. Другая работа, «Сокол» (Моголы, 1630 г, Мансур) является примером восхищенного взгляда художника на природу. С какой тщательностью выписано каждое перышко птицы!

Другим важным этапом в развитии искусства было возникновение Могольской Школы, которая достигла вершины своего расцвета при императоре Акбаре. Среди особо ценных экспонатов Национального Музея находится инфолио «Бабурнама», иллюстрированные дневники императора Бабура, основателя империи моголов. «Бабур, возглавляющий конструкцию резервуара источника Кхваджа Сих-яран вблизи Кабула» («Бабурнама», моголы, 1598 г) – один из немногочисленных портретов императора. Он изображен стоящим в саду, где строятся канал и водоем. Его окружают придворные, наблюдая за происходящим с некоторым беспокойством. В нижней часто изображения установлены несколько ярко раскрашенных палаток для отдыха императора. Бабура всегда будут помнить в Индии как великого строителя парков. Именно благодаря ему концепция регулярных парков стала неотъемлемой частью могольской архитектуры. На изображении полно людей, животных и птиц; на удаленном расстоянии расстилается плоский ландшафт, где бродят на свободе дикие животные. Имя художника, Прем Гуджарати, говорит о том, что в могольских мастерских работали вместе как индийские, так и персидские художники, перенимая манеру друг у друга, в результате чего появилась так называемая Могольская Школа живописи. В «Охотящемся Акбаре» (Моголы, 1595 г) перед нами предстает редко встречающаяся, жестокая ипостась императора. Золотистый ландшафт и убегающие животные с выражением страха в глазах схвачены художником с потрясающим мастерством и тщательностью.

«Встреча суфиев» (Моголы, 1640 г, эпоха Шах Джахана), в несколько другом ключе, создает ощущение мира и покоя своим ландшафтом, наполненным перешептыванием ученых мужей, ведущих свои беседы. С точки зрения стиля, эта работа очень скрупулезна в передаче деталей, каждый листик на дереве, каждый волосок бороды, каждая складка одежды выписаны с предельной тщательностью. Иногда для передачи тонких деталей художник использовал кисть из одного волоска.

Новой из излюбленных форм живописи стали портреты правителей. В Национальном Музее хранится самый известный «Портрет императора Джахангира, держащего изображение Мадонны» (Моголы, эпоха Джахангира, 1620 г). Это небольшой портрет, прикрепленный к более широкого формата странице, украшенной бордюром из цветов и надписями, а для придания большей красоты утонченным орнаментам на бумаге было использовано золото. Джахангир горделиво держит в своей руке картину с Мадонной, возможно полученную в подарок от какого-нибудь европейского посла, такого, как например Сэр Томас Роэ, посещавший империю. Одетый в парчовую тунику и жемчужное ожерелье, император изображен с нимбом над головой в тюрбане. Вероятно, художник старается польстить императору, изобразив его как большого любителя искусств и мудрого правителя.

Другие работы могольского периода равно достойны внимания, а мастерство художников – восхищения. «Свадьба Дара Шикох» (Моголы, Оудх, 1750 г) полна помпезности и великолепия. Украшенные лошади, вокруг которых толпятся знать и члены королевской семьи, разряженные по последней моде, составляют процессию, движущуюся под бой барабанов и вспыхивающие огни фейерверков.

Искусство портретного жанра развивалось как на территориях Могольской Империи, так и за ее пределами, это можно заметить на примере таких работ, как «Раджа Медини Пал из Басоли» (Пахари, Басоли, 1735 г) и «Раджа Сансар Чанд из Кангры» (Пахари, Кангра, 1780 г). Вторая работа, из Кангры, отличается цветовым богатством, выполнена в оранжевых, коричневых и кремовых тонах. Комната, в которой сидит раджа Сансар Чанд, украшена бумажными фонариками и дымящимися, вспыхивающими светильниками, в то время как сам он занят наблюдением за празднованием Джанмаштами (рождение Кришны), сопровождаемым музыкой и танцами.

Живопись из района Басоли особенно примечательна.

«Кришна, забавляющийся с гопи» (иллюстрация к «Гита Говинда», поэтической работе Джайядевы на санскрите, Пахари, Басоли, 1730 г) - несомненно, одна из лучших. Всплеск индийских красок выражает радость, которой проникнута эта работа. Ряд деревьев, подобно красочному узору, заполняет верхнюю часть изображения. Под ним идет полоса оранжево-красной земли, образующая сцену для Господа Кришны и его подруг, внизу протекает река. Здесь присутствуют все природные элементы, радующиеся любви Кришны: земля, вода, небо, воздух и все живые существа. Если внимательно приглядеться к трактовке украшений, можно заметить, что художник использовал маленькие кусочки блестящих крылышек и тел жуков, дающие отблеск при свете. С более удаленного расстояния видно, как новаторски художник использует краски, когда, казалось бы, контрастные оттенки помещаются рядом, создавая полную внутренней гармонии композицию, нечто, воспринятое Западом лишь в 20 веке.

Все образцы живописи Кангра, Басоли и Пахарской Школы, выставленные здесь, имеют высочайшую художественную ценность. Рисунок «Радха и Кришна спасаются от дождя» (Кангра, Пахари, 1790 г) – это сцена нежности. Кришна простирает руку над Радхой, защищая ее, и испытывая такое же чувство любви, корова призывает своего теленка. Среди других историй, рассказывающих о детских проказах Кришны, самой излюбленной всегда была «Похищение Кришной одежд гопи» (Кангра, 18 век, иллюстрация к «Бхагавад-Пуране»). Женщины покинули свои дома в деревне, что показано в верхней части изображения, и направились к реке, чтобы наполнить водой свои кувшины и искупаться. Сбросив с себя всю одежду, молодые девушки погрузились в речной поток, и резвясь в бурлящем потоке и играя друг с другом, забыли обо всем на свете. Кришна, случайно проходивший мимо, подсмотрел за ними и, играя, взял их одежду, лежавшую на речном берегу, и забрался вместе с ней на дерево, склонившееся над купальщицами. Находясь в безопасности на дереве, он окликает девушек. Они не могут выйти из воды, ведь вся одежда их унесена. Тогда Кришна начинает дразнить их, заставляя каждую выйти к нему обнаженной и просить вернуть ей одежду, при этом молитвенно сложить руки и ничем не прикрываться. Молодым девушкам приходится подчиниться. Все изображение охватывает различные эпизоды из этой истории, как те, что произошли раньше, так и те, которые были позже, все они помещены здесь одновременно. Сама история носит легкий и шутливый характер, однако рисунок очаровывает элегантностью обнаженных тел в воде, жестами страдания девушек и самоуверенной заносчивостью молодого Кришны. Должно быть, эта история часто повторялась в индийских деревушках, где купание в реке – такое обычное явление, и где нет недостатка в проказливых юношах и прекрасных девушках. Невозможно не откликнуться на наивное очарование этой истории, которая делает Кришну таким дорогим для сердца индийского народа.

Еще одна великолепная работа – «Кришна устанавливает божественное дерево Париджата в своем дворце в Двараке» (из «Париджатахарна», «Харивамса-Пурана», Пахари, Кангра, 1810 г). Композиция этой большой картины очень четкая, состоящая большей частью из архитектурных элементов. Здесь есть центральный двор, где Кришна посадил священное дерево, добытое им в царстве бога Индры. Его жена, Сатьябхама, надевает гирлянды на своего мужа Кришну и на дерево. Женщины и мужчины наблюдают эту сцену из окон и дверей своих домов. Во дворе располагаются музицирующие женщины; несколько человек выглядывают из окон с поднятыми занавесками; дверные проемы с декоративными панелями дают нам представление о стиле того времени. Оттенки белого, оранжевого, красного и черного расположены в приятной симметрии.

Пахарской школе принадлежит и другая работа, «Махишасурамардини» (Пахари, Нурпур, 1770-1800 гг). Этот сюжет уже был затронут нами в разговоре о средневековой скульптуре из этого музея. Здесь та же самая тема воплощена в живописи, и художник следовал той же иконографии в изображении. И все же в этой работе ощутимо влияние индивидуального стиля художника, который придает новое звучание образу молодой, почти совсем юной богини, восседающей на своем ездовом животном, тигре, и убивающей демона Махишу. Боги, прячущиеся в облаках наверху, могут лишь взирать с изумлением на мощь этой чудесной богини.

Если «Махишасурамардини» превозносит силу богини, то другие изображения отражают более мягкие черты индуистских божеств, подобно семейным портретам. Шива, Парвати и их дети – Ганеш (с головой слона) и Карттикейя (со множеством голов), вместе со своими ездовыми животными быком, тигром, мышью и павлином соответственно, предстают перед нами на изображениях из Пахарского региона.

«Семья Шивы и Банасура» (Кангра, Пахари, 1760 г) – одна из таких сцен, где святое семейство находится на прогулке, играет, шьет лоскутное одеяло, делает ежегодный обход своих владений в Гималаях. С нерелигиозной точки зрения эта семья богов ничем не отличается от любой другой человеческой семьи. Однако детали религиозной иконографии не исчезают полностью, а включены в изображение как бы случайно. Ребенок Ганеша обнимает за шею Шиву или отправляется играть со своим братом. Существа, которые невозможно увидеть в природе одновременно, помещены в этой работе как счастливое единство перевозчиков богов. Бык сидит рядом с тигром, мышь – с павлином. Когда боги отдыхают, чего бояться? Весь мир дышит гармонией.

Помимо любовных тем, а также деяний богов и людей, здесь присутствуют картины, полностью основанные на эмоциональном состоянии человека, отражающие природу и человеческую жизнь, случайные моменты, чувства и эмоции.

«Рага Мегха» (Нарсинхгарх, Малва, 1680 г) и «Рага Мегха Малхар» (Котах, Раджастан, 1750 г) – эти две работы созданы под впечатлением всепробуждающей славы дождя. Кришна, присутствующий на обоих изображениях, представлен танцующим под музыку, бой барабанов и звучание струнных инструментов. В «Рага Мегха» из Малвы небо – это темная полоса, с дождем, падающим подобно завесе из белых цветов. В «Рага Мегха Малхар» из Котаха небо клубится темными фиолетово-синими тучами, тяжелыми от дождя. Молния мелькает среди туч, создавая визуальную метафору к поэтической фразе. И под этим дождем человечество ликует, ведь земля, подобно человеческой душе, томится жаждой, а дождь несет обещание роста и умиротворения после дней жары и зноя.

Термин «рага» относится к музыке; существуют легенды о великих музыкантах, которые, распевая «Рага Мегха Малхар», призывали темные тучи и дождь. В индийском танце дождь также передается и через движения: быстрое перебирание ногами и жесты рук, с помощью которых танцор может показать катящиеся тучи, гром и молнии, и ощущение радости, которой наполнен сезон дождей.

Здесь можно увидеть и две другие картины, каждая из которых по-своему ценна, и в качестве сравнения мы рассмотрим их вместе, чтобы увидеть индийское переживание природы. Работа под названием «Радха предлагает цветы йогу Кришне» (Кришнагарх, Раджастан, 1760 г) выполнена в стиле Кишангарх, для которого характерны тонкие, элегантные фигуры с резким профилем лица и сильно удлиненными глазами. Здесь Радха встречается со своим возлюбленным Кришной (одетым как аскет). Их окружают птицы и животные, разделенные на пары, самец и самка, радуясь единению с богами. В другом месте возлюбленный сидит тоскуя в одиночестве; животные сопереживают ему: они тоже гуляют по одиночке, без своего партнера, в парках, и выглядят грустными и печальными. Эмоциональный настрой каждой композиции вполне понятен и нам. Когда ты счастлив, то кажется, что весь мир радуется вместе с тобой, а в грусти каждый замечает вокруг себя множество вещей, вторящих его состоянию.

Антиквариат из Центральной Азии.

Древний «шелковый путь», соединявший Китай и Европу, позволял караванам пересекать Китай, Россию, Иран, Ирак и Индию. Существуют сведения о поселениях и торговых точках, располагавшихся вдоль этого пути еще в начале нашей эры. В ходе таких тяжелых и зачастую опасных путешествий торговцы стремились найти убежище от непогоды и разбойников в оазисах цивилизации и религии на этом пути. Эти поселения существовали на протяжении веков, синтезируя культуры, принесенными из разных стран разными людьми.

Национальный Музей содержит уникальную и неожиданно обширную коллекцию из Центральной Азии, состоящую из предметов, найденных в ходе исследовательских работ Сэром Аурелом Стейном между 1900-1913 годами на территориях, по которым проходил «шелковый путь». На экспозиции можно увидеть шелковые знамена (флаги из Дунхуана, пожертвованные торговцами, молившими Бога даровать им безопасность на этом тяжелом пути). «Будда с учениками» из Мирана (3-4 века) демонстрирует влияние искусства Индии и Гандхары. Во время раскопок Стейн обнаружил несколько захоронений, наполненных утварью, мебелью, горшками, статуэтками и шелковыми покрывалами или завесами. На выставке представлено несколько длинных, раскрашенных вручную шелковых знамен (Астана, 6-8 века), некоторые из которых украшены змеевидными, извивающимися фигурами императора Фукси и его жены Нихуа, «небесных божеств» китайской мифологии. Император Фукси был известен как изобретатель китайской письменности. Здесь присутствуют также фрагменты шелкографии из Астаны (7-8 века). «Женщины в саду» представляют собой образец тонкого письма китайского художника, чье мастерство не возможно не отметить.

Среди фигуративных скульптур присутствуют надгробия в виде лошадей и всадников. «Поврежденный конь» из гипса (Сорчук, 6-7 века) демонстрирует богатство китайской культуры и искусства.

Другие значимые галереи.

Национальный Музей предоставляет богатый выбор индийского текстиля. Многообразие индийских тканей на экспозиции включает в себя бенаресскую парчу, относящуюся к могольскому периоду; крашеные ткани из Андхра Прадеш и Гуджарата; шитые золотом шелка и т.д. Здесь есть образцы вышивок из различных областей Индии; включая несколько великолепных шалей из Кашмира. Покрывала и балдахины, шитые золотом и серебром, демонстрируют богато украшенные ткани, которыми так славилась Индия на протяжении всей своей истории. Есть здесь тончайшие вышивки из Химачал Прадеш и Кашмира, называемые румал, которые использовались для укрытия подношений и предметов религиозной ценности. Покрывала, на которые краска наносилась вручную с помощью блоков, отдельных для каждого цвета, несут на себе сложный узор из цветов, птиц и животных.

Другая секция музея посвящена прикладному творчеству, где есть изделия из слоновой кости, выполненные с тонким и совершенным мастерством. Изделия из металла в форме узорчатых сосудов, подставок, стоек для hukkah ( hookah ), шкатулок для монет и подставок под ручки, отличаются богатством украшения. Здесь есть образцы стиля бидри, дутые металлические изделия темно-серого цвета и инкрустациями из серебра и меди. Рельефы, эмали и инкрустации украшают другие изделия из металла, в прошлом принадлежавшие особам царского рода. Высокие королевские масляные светильники с изображениями птиц и богов соперничают с малыми предметами обихода, привлекая внимание зрителя.

В Национальном Музее также хранится большая коллекция искусства племен, достойная внимания хотя бы потому, что демонстрирует древность и высокое качество художественной традиции Индии. Деревянные фигуры из района Бастар в Мадхья Прадеш имеют элегантные пропорции, «Мать и дитя» (20 век) – наиболее яркий тому пример. Здесь есть также изображения из металла, абстрактные и символичные, близкие к современному искусству. Не нужно забывать о том, что богатая племенная традиция составляет параллельное течение с древней историей индийской культуры, и зачастую является одним из источников вдохновения для фольклорного и высокого искусства.

Галерея ювелирных украшений, организованная особым образом, состоит из 27 выставочных стендов, показывающих путь развития ювелирного искусства на протяжении последних 5 000 лет. На первом стенде представлены украшения из раскопок в долине реки Инд, сделанные из золота, серебра и фаянса. Кроме того, для бус и подвесок использовались также и драгоценные камни.

Чтобы отразить богатую историю индийского мореплавания, к Национальному Музею позже была добавлена Галерея Мореходного Наследия. В ней представлена небольшая коллекция артефактов, свидетельствующих о славном мореходном прошлом Индии, продолжавшемся более 4 000 лет.

Службы музея.

В Национальном Музее есть касса продаж, в том же секторе, что вахта и билетная касса. Музей имеет несколько опубликованных исследовательских монографий, основанных на материалах экспозиций, и полный музейный каталог. В продаже есть распечатки, слайды и открытки. Глиняные копии скульптур музея популярны в качестве сувениров. Среди них есть копии игрушек и фигурок животных из цивилизации долины Инда, головы Будды из Сарнатха и ранней средневековой скульптуры.

The National Museum

Janpath

New Delhi

Часы работы: 10:00 – 17:00 ежедневно

Выходной – воскресенье

[1] Инталия - глубоко вырезанное изображение на отшлифованном камне или металле.